Ángela Perversa

Hace un buen tiempo que este blog tenía olvidada su costumbre de reseñar películas, así que no podía retornar al hábito si no es para comentar una realmente impresionante. A pesar de la barbaridad de precios de la boletería, de ir acompañada por un adolescente parlanchín y de que el domingo no es, definitivamente, un buen día para ir a cine, este fin de semana me dejó más que satisfecha después de ver "Batman: The Dark Knight".
Conozco a muchas personas que salieron de ver "Batman Begins" absolutamente desencantadas, como si esa versión de Batman que Cristopher Nolan presentaba se hubiera alejado demasiado del héroe que tenían grabado en su cabeza. Por mi parte, siento que sólo ha sido con Nolan que nos hemos acercado a lo más importante del personaje: su profundidad psicológica. Pensémoslo por un momento ¿Cuál es el superpoder de Batman?, ¿es un héroe?
Una de las razones principales para seguir la saga del caballero oscuro es que precisamente es, como le dice Superman en el cómic "The Dark Knight Returns", sólo carne y hueso como todos los demás. La historia de Batman está atravesada por la dualidad que caracteriza al protagonista y a los villanos por igual; por esta razón, el filme de Nolan que relata el origen del murciélago resulta ser mucho más cercano a lo esencial del cómic que el maravilloso despliegue visual de Tim Burton y la desafortunada versión pop-queer de Joel Shumacher.
Ya al final de "Batman Begins", Nolan daba un aviso sobre la ambiguedad esencial del héroe y de hecho, en esta nueva entrega de la saga, se hace énfasis desde el principio en el peligro que éste representa para Ciudad Gótica y la forma en la que su presencia resulta contraproducente: Batman no es un héroe, es un guardián nocturno.
Sin embargo, "Batman: The Dark Knight" nos presenta un personaje ya definido, instalado en la realidad de Ciudad Gótica y que, gracias a todo el proceso de formación de su máscara, ha construido una ética inquebrantable. Por otra parte, Batman participa en una especie de alianza de la que hacen parte el sistema judicial, gracias al fiscal de distrito Harvey Dent, y la policía, en cabeza del comisionado Gordon: los tres manipulan las normas de acuerdo a sus convicciones y conveniencia para buscar la justicia y erradicar el crimen de la ciudad.
En ese punto, justo en los principios y las convicciones del héroe aparece The Joker.

Mucho se ha hablado en estos días sobre la interpretación de Heath Ledger y suena a canción gastada decir que es excelente. Lo importante es decir qué es lo que hace de esta actuación un verdadero retrato del mayor villano de la saga.
Así como para construir a Batman, Nolan partió de "Año uno" (fuentes que aparecen con más detalle en la reseña de La zona fantasma), es evidente que la construcción de The Joker está basada en los inicios del cómic. Antes de la fuerte censura que recayó sobre los cómics hacia los años 60 en Estados Unidos, The Joker aparecía tal como lo vemos ahora: un psicópata, incapaz de experimentar empatía, un asesino brutal que mata indiscriminadamente sólo por el placer de ver morir. La actuación de Ledger deja ver ese lado oscuro y lo hace menos bufón que la de su antecesor en el rol, Jack Nicholson; para lograrlo, Ledger se vale de recursos impresionantes que van desde sus gestos (como el fabuloso tic de la lengua), hasta el manejo de su voz. Por otra parte, la dirección de arte y el diseño de vestuario se encargan de acercarlo a la imagen de un ícono punk, como Johnny Rotten o Iggy Pop; además está el maquillaje, que alude de forma mucho más directa a la obra en la que fue inspirado el personaje de The Joker, "The Man Who Laughs", película del cine mudo y obra de culto para los estudios sobre lo freak, basada en la novela homónima de Victor Hugo. En las notas de producción de la película, Nolan afirma sobre la elección de Ledger para el papel: “Hablamos de cómo veíamos al personaje, y ambos teníamos exactamente los mismos conceptos: pensábamos que The Joker representaba una amenaza de anarquía, y que se deleitaba creando caos y miedo en gran escala. Parecía que Heath instintivamente sabía cómo hacer al personaje diferente de cualquier otra representación que se hubiera visto antes”.
El gran logro de Ledger es el de representar a la maldad pura y a la vez construir una aparencia graciosa, amable. Su interpretación logra mostrar cuál es verdaderamente el arma de The Joker en contra del guardián de Ciudad Gótica: su falta de principios.

The Joker, en el cuerpo de Ledger, se convierte en un verdadero agente del caos, un héroe anarquista, un destructor de verdades. De hecho, para mantener la oscuridad del personaje, él mismo da en la cinta las dos versiones sobre su origen y remata la confusión sobre sí mismo bajo su desprecio por el pasado. En este sentido debemos recordar que en "Arkham Asylum" y otras apariciones del personaje en el cómic, muchos consideran que su "locura" es más bien una forma de lucidez extrema, de percepción superior.
La actuación de Ledger en esta entrega de la saga logra realmente cuestionar al espectador y poner en tela de juicio los principios de Batman, desmoronar el heroísmo de Harvey Dent, relativizar la rectitud del comisionado Gordon.
Desde esta perspectiva, la historia cuestiona constantemente la rectitud policial, la eficacia del sistema judicial, el oportunismo (que marca la relación que se establece entre Harvey Dent y Bruce Wayne), la obediencia y el orden. Por esta razón, el peso de la película recae sobre las decisiones que los personajes deben tomar para obrar de la manera en que creen hacer lo correcto; lo impresionante es que a partir de estas situaciones los personajes revelen su inseguridad respecto a su propio juicio, como en el caso de Dent, quien decide dejar todo al azar pues es el único que decide objetivamente y sin prejuicios.
Seguramente, de Batman se desprenderá una cantida impresionante de contenido para Wikiquote lo que aunque suene superfluo, habla muy bien de la calidad de los diálogos. Creo que ése es uno de los grandes méritos que tiene este film: los personajes hablan al espectador, lo hacen pensar.
Es curioso, pero ayer precisamente me encontré con un amigo que no veía hace mucho y este fue nuestro tema de conversación. La conclusión a la que llegábamos es que sí se puede dar entretenimiento inteligente y que si hay una expresión para definir este filme es "profundidad psicológica". Los dos concordábamos en que si hay una película que basada en una novela gráfica logre este objetivo y que además logre conmover al espectador es "V de Venganza" (que presentaron anoche por Cinemax, el mejor canal del mundo): creo que esta versión de Batman también lo logra, aún cuando carezca de un mensaje político explícito como "V", porque logra transmitir ese sentido de ambiguedad, de dualidad; porque nos ayuda a dudar de nuestros héroes, de nuestros principios, de nuestros planes.
En esta época de credulidad, en la que cualquiera con espejitos de oro, sombreritos vueltiaos, camiseticas y pulseritas nos convence de guardarle fidelidad eterna, cualquier semilla de escepticismo y crítica es valiosa, venga de donde venga.

Género: Ciencia ficción
Año: 2008
País: Estados Unidos
Director: Christopher Nolan
Protagonistas: Christian Bale, Aaron Eckhart, Heath Ledger, Gary Oldman
Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan, David S. Goyer
Censura en Colombia: mayores de 12 años
Duración: 160 min

(P.S: Tengo problemas para subir las imágenes de la película, más tarde edito la entrada)

Un minuto de silencio rojo por el rey de los solitarios martes de cine en los que solía perderme muy a menudo.




Ingmar+Bergman
gritos+y+susurros
cine

Retomando la sana costumbre de la relectura, que en este caso es más una re-visión, este fin de semana volví a ver una de las películas de mi afecto: “La sombra del vampiro” (2000). Además de servir de compañía en el paso de la resaca que el viernes había dejado, la película está en el programa de uno de mis cursos, así que tocaba aprovechar.

El filme de Elias Merhige es interesante no sólo por la historia sino por la factura, cosa que, como sugerí en las dos En-peliculadas anteriores, es bastante difícil y más en un género como el horror. El mismo Merhige puede dar fe de esta dificultad supongo, luego de haber filmado "Begotten" (1991), catalogada por la crítica como una cinta de horror experimental que mostraba personajes arquetípicos (como "Dios matándose a sí mismo") en una historia sin diálogos ni voz en off en la que la expresión corporal era el vehículo interpretativo y que aunque recuerdo que me gustó (la vi en mi primera clase de cine y literatura por allá en el 99 en una copia pésima) me pareció demasiado oscura y compleja visualmente (y el argumento es bien bizarro). Otra de esas que hay que volver a ver, para ver si por fin entendemos. Si quiere saber más, una muy buena reseña de esa película está aquí, (un blog recomendadísimo de una niña que sí sabe de cine; además la semana pasada colgó la peli).

Continuemos con "La sombra del vampiro". Inspirada en la clásica “Nosferatu”(1922), la película nos muestra el proceso detrás de la grabación de la joya del cine de horror cuya imagen del vampiro calvo acercándose al cuello de la lánguida doncella ha sido vista alguna vez en la vida por la mayoría del género humano y es imprescindible en la historia del cine.

Primera precisión: más allá de ser una cinta de horror, es una cinta de meta-horror; el logro más importante en mi opinión, de “La sombra del vampiro” es la reflexión que logra hacer sobre el proceso creativo del cine, sobre lo agónico que puede llegar a ser –y con agónico me refiero, cual el DRAE, al sufrimiento extremo que antecede al fin – además de darnos una lección importante sobre la “ambición artística”.

Una de las cosas que se advierten es cierta inclinación a la exageración y a una sutil parodia del personaje de Murnau. El director obsesionado con la perfección, dispuesto a lo que sea, es tan obstinado como frágil gracias a la magistral interpretación de Malcovich que es, para quien escribe, uno de los mejores actores de nuestros tiempos (recuerden la versatilidad de este hombre en la película sobre el doctor Jekyll y Mr. Hyde que hizo junto a Julia Roberts ­ –“Mary Reilly” (1996) de Stephen Frears-) y logra imprimirle al personaje de Murnau una comicidad extrañamente verosímil.

Por otra parte, Max Shreck (interpretado por Willem Dafoe) tiene esa capacidad de horrorizar y seducir clásica de los grandes héroes del cine de horror que como diría mi abuelita “no enseñan en la escuela”, y que la cinta en todo su conjunto comparte con el personaje. Se logra con bastante acierto convencer al espectador de estar frente al Conde Orlock y no frente al actor ruso, leyenda hollywoodense de la que parte el guión y que hace parte de muchas de las que se tejieron alrededor de la realización de la película de Murnau; la interpretación de Dafoe horroriza gracias a la excelente caracterización que, paradójicamente, ejerce una fascinación sobre el espectador durante toda la trama y lo atrapa en la sombra del monstruo no-vivo. Además de recibir un Globo de Oro por su interpretación Dafoe, cuyo proceso de caracterización duraba entre cuatro y seis horas, o mejor dicho su equipo, fue nominado al Oscar en la categoría de Mejor Maquillaje, cuyo galardón les fue finalmente arrebatado por "El Grinch".

La razón principal de esta grandilocuencia parte de las necesidades interpretativas del cine mudo al que rinde homenaje desde el guión, la actuación y la calidad visual. Porque además es una película bastante agradable a la vista: llena de contrastes que remiten a la cinta que la inspira (e intentando fidelidad en la reproducción de algunas tomas) la película hace delicadas transiciones entre atmósferas siniestras (las locaciones de la cinta que se filma, los lugares en que habita Shreck) y glamorosas (propias del gran Hollywood) gracias a una dirección de fotografía impecable y una ambientación meticulosa; y por dios, la transición entre el color y el blanco y negro –que se presenta cuando Murnau enciende su cámara– es sencillamente exquisita. El juego de las sombras, los movimientos de cámara, la exuberancia del filme, son un homenaje de alto nivel al expresionismo alemán, por cierto.

Y aunque para muchas personas esta película puede quedarse en el simple homenaje para mí es de verdad una propuesta, un puente de reflexión que se tiende entre el espectador y una condición extrema de la puesta en escena. Más allá de solamente engrandecer la leyenda o parodiarla, el filme de Merhige vuelve la mirada sobre el ejercicio cinematográfico mismo, incluso en cuanto a sus detalles técnicos, y lo hace a través de personajes que exponen y representan las diferentes instancias del proceso de producción de cualquier obra. Todo ello en el marco del asombroso trabajo del director quien dirige una película dentro de otra película. (A propósito, quien haya visto "Suspect Zero" (2005) o "Din of Celestial Birds"(2006), las únicas películas de Merhige luego de la que aquí se menciona por favor avíseme y dígame dónde las consigo porque este señor desapareció del mapa y parecía interesante seguirle la pista).

“La sombra del vampiro” es una metáfora de la seducción del cine, de su juego mágico que se nutre de nosotros, nos absorbe, nos necesita y la vez, nos permite acercarnos por un instante a la inmortalidad. Y para terminar, el filme es un elegante llamado de atención para los que piensan que el cine de horror tiene que ver con motosierras, ganchos de carnicero y casas embrujadas exclusivamente.

Dirección: E. Elias Merhige.
Paises: Reino Unido / USA / Luxemburgo.
Año: 2000.
Duración: 93 min.
Interpretación: John Malkovich (F.W. Murnau), Willem Dafoe (Max Schreck), Cary Elwes (Fritz Arno Wagner), John Aden Gillet (Henrick Galeen), Eddie Izzard (Gustav von Wangenheim), Udo Kier (Albin Grau), Catherine McCormack (Greta Schröder), Ronan Vibert (Wolfgang Müller), Ingeborga Dapkunaite (Micheline), Nicholas Elliott (Paul).
Guión: Steven Katz.
Producción: Nicolas Cage y Jeff Levine.
Música: Dan Jones.
Fotografía: Lou Bogue.
Montaje: Chris Wyatt.
Diseño de producción: Assheton Gorton.
Dirección artística: Chris Bradley.
Vestuario: Caroline de Vivaise.

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Sobre este post: Otra reseña trasnochada sobre una película que de pronto usted ya vio pero que a mí siempre me sorprende

Afortunadamente existe Cinemax y le permite a uno sorprenderse o reencontrarse con películas como ésta, “Coffee and Cigarettes” (2003), un film de Jim Jarmusch – el director de la fabulosa “Ghost Dog” (1999), y varios videos de Talking Heads, por ejemplo – que se demoró 16 años en convertirse en lo que vi el pasado miércoles al llegar a mi casa (1:00 a.m., o sea que ya era jueves).

La historia de esta producción empieza en 1986, cuando a Jarmusch le es encargada la realización de un pequeño film para Saturday Night Live y el experimento da como resultado el corto “Strange to Meet You”, protagonizado por Roberto Beningni y Steven Wright. Esta viñeta será la primera de las once que conforman el film, que gira alrededor de las conversaciones de diferentes personas que se reúnen en torno a un café y un cigarrillo; beber café y fumar, dos actividades cotidianas y triviales a primera vista

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A pesar de reconocer que no es la mejor película de Jarmusch, “Coffee and Cigarettes” es una propuesta estética bastante interesante, que como todas las películas del director cuenta con un cuidadoso trabajo de fotografía (la película es en blanco y negro), y maneja elementos de ambientación dentro de cada uno de los fragmentos que permiten darle unidad visual a una pieza tan larga. Por otra parte, el excelente reparto, en el que los intérpretes se representan a sí mismos en la mayoría de los casos, está conformado por amigos de Jarmusch principalmente: Iggy Pop, Tom Waitts, Jack y Meg White… y aparece también Cate Blanchett -a quien el director no conocía pero admiraba, por ejemplo- y que terminan conformado esta especie de galería de personajes curiosos, ridículos e hilarantes.

Porque más allá de lo dicho, “Coffee and Cigarettes” es una película llena de humor, de ese humor que no hace reír exactamente… es más del tipo que produce esa sonrisita perversa que tanta satisfacción causa. Es un humor para pensar creo, por lo menos, ese ha sido mi caso con esta película; si bien es cierto que las conversaciones no son “profundas”, ni “intelectualoides”. En lo que pensé, entre otras cosas es en que como ciertos objetos, lugares y hábitos nos hermanan por momentos con los otros; la forma en que nuestros vicios, manías, obsesiones y adicciones nos constituyen y configuran la manera en que nos relacionamos.

Pensé en la cantidad de personas que he conocido porque necesito un encendedor o me piden un cigarrillo y en las muchas ocasiones en que he perdido contacto con alguien o la comunicación se ha visto interrumpida durante algún período (por breve que haya sido) a causa de alguno de mis hábitos o mis manías. Creo que este ejercicio de Jarmusch le apunta precisamente a eso, a los puentes que esos pequeños actos banales tienden entre las personas y la manera en que éstos las constituyen pues a su alrededor hay cosas que acontecen y transforman, sin que nos demos cuenta.

En todo caso, es una propuesta divertida y bien hecha… como todo lo de Jarmusch, la factura está muy bien cuidada, a pesar de los errores de continuidad que tantos esgrimen para decir que la película es mala.

En fin, para mí fue bueno verla de nuevo y reconocerme un poco en “esas pequeñas cosas de siempre” por las que nadie daría un peso –como dice el poeta Elkin Restrepo-, y poder sonreír durante 96 minutos y escribir éste, mi primer post del año, para compartir con… bueno, con usted estimado amigo lector mi sorpresa y mi alegría al encontrarme con Jim Jarmusch y su colección de “fumívoros cafeístas”, como yo.

Dirección y guión: Jim Jarmusch. País: USA. Año: 2003. Duración: 96 min. Género: Comedia.
Intervenciones: Roberto Benigni, Steven Wright, Joie Lee, Cinqué Lee, Steve Buscemi, Iggy Pop, Tom Waits, Joe Rigand, Vinny Vella, Vinny Vella Jr., Renée French, E.J. Rodriguez, Alex Descas, Cate Blanchett, Bill Murray, Jack White, Meg White, Steve Coogan, Alfred Molina, Bill Rice, Taylor Mead.
Producción: Joana Vicente y Jason Kliot.
Fotografía: Frederick Elmes, Ellen Kuras, Tobby Müller y Tom Jarmusch.
Montaje: Jay Rabinowitz, Terry Katz, Melody London y Tom DiCillo.
Diseño de producción: Mark Friedberg, Dan Bishop y Tom Jarmusch.
Dirección artística: Laura Chariton y Tom Jarmusch.

Ficha técnica sacada de La Butaca

Es refrescante para el espectador promedio (como yo) ir a ver una película de “cine colombiano” y encontrarse con algo diferente a las típicas historias que explotan la “colombianidad” sin ton ni son a las que nos tiene acostumbrados, entre otros, el señor Dago García. Refrescante, cómo no. Da alegría al corazón y lo hace llenarse de esperanzas. Sin embargo, la idea no es elogiar la película porque sí, pues volveríamos a caer en el mismo juego de siempre.

¿Qué ofrece “Al final del espectro” que las otras películas colombianas de la temporada no ofrecen?

Bueno, en primer lugar, la diferencia está en los términos en los que la película fue pensada. Desde la propuesta de hacer una película de suspenso, hasta el diseño de una página oficial para la misma, la pretensión es otra. De recaudar dinero en taquilla, por supuesto, obvio, cómo no –en eso no difiere de las demás-, pero también de darle un nuevo sentido a la propuesta de hacer cine colombiano. Esta nueva perspectiva se abre gracias a Juan Felipe Orozco y el equipo productor de Paloalto films.

Sin embargo, es necesario reconocer que la propuesta de Orozco no es la primera en ofrecer esta perspectiva, pero tal vez sí sea la más ambiciosa y la mejor lograda hasta el momento.

En segundo lugar, se aleja del estereotipo ligado a la manera en como se presenta el espacio de la ciudad colombiana: la Bogotá de Orozco es más Bogotá que la de otros porque podría ser cualquier otra ciudad. (Paréntesis para celebrar la elección del edificio de las tomas exteriores “la torre del bosque izquierdo” situada donde la Macarena pierde su nombre para convertirse en la Perseverancia). Es más Bogotá porque no intenta convertirse en una postal folclórica, porque no intenta presentar la ciudad como un destino turístico “a pesar de la convulsionada situación de orden público del país”… ese es uno de los mayores logros. Si bien las tomas en exteriores son muy pocas, logran marcar una diferencia muy grande que se apoya en el manejo del color del film en general; ese aspecto es importante, en mi opinión pues logra crear una atmósfera propicia para el desarrollo de la trama.

El trabajo de edición de la película está bien logrado aunque a veces los cortes pueden violentar mucho al espectador, pero quiero pensar que esa violencia pretende apoyar la sensación de angustia del personaje principal. La cuestión es que a pesar o gracias a esto, la película no tiene un ritmo que permita seguir la historia y la tensión se pierde en algunos momentos, lo que resulta desconcertante.

Ese es uno de los problemas: hay momentos en los que la historia parece no ir para ninguna parte. El otro problema evidente es que la imitación de otras películas del mismo género puede caer en la obviedad… y bueno, el movimiento de la cámara que al intentar seguir a los personajes puede ser realmente mareador.

Pasando a la actuación... Noelle Schönwald como Vega, es decir como Noelle Schönwald agorafóbica, es una buena propuesta. Pero la que definitivamente sorprende es Julieth Restrepo como Tulipán, una excelente elección de parte de los realizadores y un excelente debut para esta mujer. Los demás personajes apoyan la acción sutilmente, tanto que a veces no parecen necesarios; pero en fin, se logra también por ese lado, aunque en mi opinión el personaje de Manuel José Chávez no se resuelve muy bien.

La historia de “Al final del espectro” juega todo el tiempo con el espectador, lo hace seguir pistas falsas, lo hace creer que ha llegado cuando está en el polo opuesto de la verdad y creo que este es uno de los puntos clave que hacen que valga la pena verla. Sí, no es la mejor del género, pero los lugares comunes en los que cae la validan precisamente dentro del mismo.

Por último, el final de la película sorprende, aterra y alivia…

“Al final del espectro” demuestra que nos podemos salir del molde, que aquí se pueden intentar otras cosas y que una película colombiana no debe ser buena sólo por el hecho de ser colombiana sino por estar bien hecha. Más allá de su calidad cinematográfica es un llamado de atención al público para que vuelque su mirada sobre nuevas propuestas y aprenda ser más exigente con la “industria cinematográfica nacional”.

Las fotos fueron tomadas de cafeguauguau, gracias al consejo de Don Ka.